bois – L'Abbadiale

Parc & pics

Abbadiale — Sun, 15 Mar 2026 11:18:50 +0000

Hors les murs

Parc & pic

Art, nature et montagne : une démarche ancrée dans les Pyrénées

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Arras-en-Lavedan n’en est pas à sa première rencontre avec l’art contemporain. Le parcours Arras Artitude, qui a conduit 15 artistes à investir les patrimoines et les paysages du village, a ouvert une voie. Parc & Pics s’inscrit dans cette continuité : un programme de recherche mené entre 2017 et 2022 par l’ÉSAD Pyrénées en partenariat avec le Parc National des Pyrénées, qui fait cette fois d’Arras-en-Lavedan une étape d’un itinéraire artistique plus large à travers les Pyrénées — après le Pont d’Espagne, Cauterets, Campan-Payolle et Lourdes.

Au cœur de la démarche, une question qui dépasse largement le cadre scolaire : comment l’art peut-il nous aider à transformer notre regard sur la nature ? À l’ère de l’anthropocène, il s’agit de sortir d’une vision du paysage devenue trop souvent notion marketing, pour reconstruire une expérience sensible — celle d’un espace de cohabitation et de respect des équilibres naturels. Dans cette optique, le partenariat avec le Parc national des Pyrénées va de soi : les étudiants s’engagent à concevoir des interventions extérieures entièrement respectueuses de l’environnement et du patrimoine des sites investis.

C’est ainsi que 6 installations sont nées sur les sentiers menant au Mont de Gez, en plus d’une exposition à la Maison des Arts, pensées après plusieurs séjours sur place et une année de travail de recherche. Certaines sont toujours visibles le long du chemin entre le Col d’Arras et le Mont de Gez (chaussures de marche recommandées).

Laissez-vous surprendre par ces œuvres qui s’incrustent dans le paysage — et partez les chercher !

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Voir page de l’exposition

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PARTENAIRES

Co-responsables du programme : Marjorie Thébault et Juliette Valéry, enseignantes à L’ESAD ; David Penin, chargé de mission Culture et Patrimoine au PNP.

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Le parcours d’art

Abbadiale — Sun, 15 Mar 2026 00:29:46 +0000

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Hors les murs

Parcours artistique et patrimonial

Arras village d’artitude

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L’art comme moteur du regard et de la déambulation.

Proposer des installations artistiques pérennes pour découvrir un village est une démarche originale.

En demandant à 15 artistes de porter leur attention sur les patrimoines du village, la commune d’Arras-en-Lavedan a laissé porte ouverte à
son passé, sa mémoire et ses paysages. Le résultat est des plus frais et revigorant pour ceux qui le découvrent au détour des petites ruelles de ce
village typiquement pyrénéen exposé sur des pentes ensoleillées. Il est ainsi plaisant de se laisser aller à une flânerie par les rues, chemins
et prairies, guidé par des œuvres d’art contemporain qui jalonnent ce parcours.

On se retrouve convié à interroger de l’oeil et du corps ce qui met en discussion l’art avec les patrimoines naturel et culturel, à explorer
les dimensions architecturales, paysagères ou immatérielles par une approche décalée.

Véritable acteur de cette découverte, des secrets que l’oeil seul ne saurait déceler nous sont révélés grâce aux langages artistiques.

arras-artitude.fr

Partenaires

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10.01.26 | Vannerie sauvage

Abbadiale — Sat, 10 Jan 2026 04:49:59 +0000

Vannerie sauvage

2 jours de stage avec Vincent Malric

Apprenez à fabriquer vos propres paniers et objets décoratifs à partir de végétaux sauvages tels que la ronce, la clématite, le noisetier ou le jonc.

Au fil du stage encadré par Vincent Malric, vous découvrirez la cueillette et la préparation des matériaux, les techniques de tressage et la réalisation complète d’un objet selon votre choix.

Une expérience accessible à tous, pour découvrir un savoir-faire artisanal et renouer avec la nature.

Au programme :

Jour 1

Choix de l’objet qui sera réalisé pendant le stage
Cueillette des végétaux autour du village
Présentation des différentes techniques de préparation des matériaux cueillis
Assemblage du squelette et début du tressage

Jour 2

Si besoin nouvelle cueillette et préparation des matériaux
Tressage et clôture de l’ouvrage
Rangement de l’atelier

Dates
samedi 10 et dimanche 11 janvier 2026
Horaires
10h00 – 17h00
Tarif
110 € les deux jours
Nombre de participant.e.s
3 à 7
Public
A partir de 10 ans
Informations & inscriptions
Vincent Malric

velolire@aol.fr

ou par téléphone au 07.81.18.43.38

Sur place
Les déjeuners sont pris en communs dans les locaux de l’Abbadiale, chaque stagiaire apporte son panier-repas.
Si vous avez besoin d’un hébergement, n’hésitez pas à nous en faire part, nous vous communiquerons les contacts des gîtes et chambres d’hôtes du village.

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Exposition de Noël – décembre 2025

Abbadiale — Tue, 25 Nov 2025 23:36:09 +0000

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Exposition

EXPOSITION COLLECTIVE

Nadia Ehrmann, Ivan Lassere, Chen Jing, Marie-Dominique Cnudde, Pedro Fremy, Astrid Lecarpentier, Clarisse Holmiere, Blandine Perrier, Guillaume Boisson, Coralie Barbier

6 décembre 2025 > 4 janvier 2026

du vendredi au lundi, 14h30 > 18h

Depuis la peinture jusqu’à la céramique, en passant par la sculpture, la photographie, le dessin et la gravure, cette exposition collective réunit dix artistes qui explorent chacun à leur manière notre rapport au monde.

Le public est invité à découvrir un parcours sensible et accessible, où les œuvres dialoguent entre elles et offrent une diversité de regards, de matières et d’émotions.

Pensée comme un moment de rencontre et de partage, l’exposition s’adresse à tous, curieux d’art contemporain ou simples promeneurs, et propose une occasion privilégiée de pousser la porte de la création actuelle.

Les artistes

Nadia Ehrmann

Nadia Ehrmann est une artiste franco-allemande, formée aux Beaux-arts de Brest, Dresde et Toulouse, dont l’univers est marqué par une enfance passée sur une péniche, au rythme de l’eau, des lumières et des mouvements. D’abord graphiste-illustratrice engagée dans la micro-édition et la culture DIY, elle développe un travail féministe autour des sexualités et de l’empowerment, avant d’orienter sa pratique vers des formes plus introspectives et contemplatives. Entre fanzines, dessins, performances de « cinéma en direct » et dispositifs visuels centrés sur la lumière, la sensation et le mouvement, elle construit une œuvre polymorphe, sensible et engagée, et vit aujourd’hui à Toulouse où elle poursuit ses recherches plastiques.

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Ivan Lassere

Ivan Lassere est un artiste peintre franco-canadien formé à Bordeaux, en Angleterre et à Montréal, dont le travail développe un langage à la croisée de l’architecture, de la géométrie et de l’abstraction. Il cultive des formes simples et des procédés économiques, révélant la noblesse des matériaux et proposant des « espaces de silence » plutôt que des images narratives. Selon les séries, il peint à l’huile en aplats monochromes désaturés, proches de la toile brute, ou à la gouache en couleurs vives et mates, explorant des compositions géométriques qui dégagent une joie sobre et presque suprématiste.

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Chen Jing

Dès l’âge de trois ans, la mère de Chen Jing repère sa passion pour le dessin et l’inscrit auprès d’un premier professeur d’art. Elle suit ensuite un parcours international : Lycée des beaux-arts de Pékin, études d’architecture d’intérieur, apprentissage de l’allemand à l’Institut Goethe de Pékin puis du français à l’Université Catholique de l’Ouest à Angers, avant d’obtenir en 2015 un diplôme en arts plastiques à l’École des Beaux-arts de Versailles. Cavalière assidue, elle mène parallèlement une recherche sur l’éthologie équine et la relation millénaire entre l’homme et le cheval, nourrie par la pratique quotidienne de l’équitation et la complicité avec son propre cheval, qui façonnent sa vision du monde.

« Jing Chen use de la gravure, la photographie et la peinture sur soie… non comme un support à la création, mais révèle par son œuvre l’âme des objets et des êtres en faisant rayonner leur aura que sa sensibilité lui permet de figurer dans un élan de transparence entre son cœur et celui du sujet. Ainsi, l’harmonie entre l’artiste et sa création tient d’une danse dynamique et fusionnelle qui entraine le spectateur à ne plus pouvoir se tenir à la distance de l’observation, mais à être saisi d’une interrogation sur son propre rapport à ce qui l’entoure. Au-delà de l’art, Jing Chen invite à une dimension spirituelle, méditative. »
Jean-Louis Gadette

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Marie-Dominique Cnudde

Née en 1957 dans le Nord de la France, Marie-Dominique Cnudde entreprend en 2002 une formation en céramique et obtient en 2008 le diplôme de l’Académie des Beaux-Arts de Tournai, en Belgique.

Sensible à la dimension conceptuelle de la création, elle explore les multiples langages du grès, de la porcelaine et des jus d’oxydes. Par le dialogue entre la main et l’œil, l’esprit et la matière, elle interroge le passage du temps autant que le geste créateur.

Entre l’action du temps et celle de la main de l’artiste, la terre révèle sa nature sensible. Chaque forme devient le lieu d’une rencontre entre matière, mouvement et imagination.

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Pedro Fremy

Pedro Fremy est un sculpteur autodidacte installé en Bigorre, qui travaille la ferraille pour créer un bestiaire fantastique de créatures, machines et manèges empreints d’humour et de poésie.

Passionné de feu et de pyrotechnie, il découvre la soudure et commence à assembler des matériaux de récupération sans autre guide que son intuition, encouragé par son entourage et ses premières expositions. Il aborde néanmoins la sculpture comme une discipline totale où l’acte créatif commence par la collecte de ferraille dans des conditions parfois furtives. Son travail de construction s’apparente à un processus onirique, fluide et non linéaire, donnant vie à des formes souvent qualifiées de monstres. Chacune de ses pièces offre une richesse texturale et une diversité de nuances, révélant un dialogue constant avec la matière et ses possibilités infinies.

Aujourd’hui, tout en collaborant avec des compagnies d’arts de rue, il poursuit une sculpture « art populaire », interactive et ludique, allant des grandes pièces monumentales aux bilboquets de célébrités et aux carrousels en métal destinés aux enfants.

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Astrid Lecarpentier

Artiste et graphiste installée en Val d’Azun, Astrid est spécialisée en illustration, graphisme et calligraphie. Ses dessins, largement inspirés de la nature, associent différentes techniques de crayon, que ce soit en couleur ou noir et blanc.

Des paysages très détaillés aux silhouettes stylisées, tout est « croqué » avec une grande finesse, où la précision des traits se marie avec le fondu des couleurs. Astrid travaille en général sur de petits formats, taille carte postale, faciles à transporter et à encadrer, mais ose aussi s’aventurer vers de plus grands formats.

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Clarisse Holmiere

Photographe autodidacte toulousaine, Clarisse Holmiere explore le noir et blanc comme on explore sa propre géographie intérieure. Ses images naissent d’un paradoxe intime : attirance pour l’obscur, besoin de lumière ; désir de dépouillement et goût pour l’intensité. Les noirs s’y enfoncent, profonds, mats, presque minéraux ; les lumières y respirent, hésitent, s’ouvrent. Tout tient dans cette tension qui la traverse : ombre et éclat, retrait et élan.

La photographie est pour elle une manière d’être au monde, pleinement, dans un présent sans détour. Elle ne copie pas le réel, elle en prélève l’essentiel : une ligne, une forme, une murmuration. Sa rigueur scientifique lui apprend à repérer les structures, ses années de danse lui soufflent le mouvement et l’équilibre naturel précaire.
Voyageuse et marcheuse, Clarisse s’abandonne aux chemins comme on s’abandonne à une chambre noire : pour que quelque chose se révèle. Dans la hauteur ou l’éloignement, le monde se simplifie, se décante et ne conserve que l’essentiel. Dans ces moments suspendus, quand la terre semble s’éloigner d’un pas sans jamais disparaître, naissent ses images les plus fidèles : celles où ses paradoxes respirent enfin, tenus ensemble par une lumière qui hésite et un noir qui veille.

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Blandine Perrier

Blandine Perrier a le goût du voyage. Elle a voyagé, vécu et travaillé dans de nombreux pays. Elle est installée depuis 2020 à Pau où elle enseigne le français langue étrangère de l’Université de Pau et des Pays de l’Adour.
L’écriture et la photographie sont des pratiques qu’elle a pu développer au fil du temps et des rencontres. Elles sont pour elle un moyen de faire un pas de côté pour observer le monde et en proposer une lecture singulière.

Le cheminement proposé part de photographies d’intérieurs de maisons abandonnées prises dans différentes régions des Pyrénées : Eaux-Bonnes et la vallée d’Ossau, Sauveterre-de-Béarn et le Pays basque tout proche, Bagnères-de-Bigorre et le Comminges un peu plus à l’Est.
Il s’est enrichi, au fil du temps, d’échanges, de confiance mutuelle, de recherches graphiques autour du procédé du cyanotype.

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Guillaume Boisson

En 2018, Guillaume Boisson découvre dans sa haie un buis décimé par la pyrale, regrettant d’avoir oublié de le traiter contre ce ravageur. Passionné par le buis qu’il plante depuis une quarantaine d’années et qu’il a su protéger jusque-là, il décide de rendre hommage à ce buis perdu par la sculpture, un domaine qu’il découvre laborieusement. Ses premières œuvres, bien que sommaires, le ravissent et l’encouragent à poursuivre. Le buis devient une obsession à travers de petites pièces uniques qu’il crée, cherchant sans cesse à innover et à atteindre la perfection, avec l’ambition de réaliser un chef-d’œuvre à chaque nouvelle sculpture. Artiste sensible, profondément connecté à la nature, il y puise une inspiration constante et trouve dans son art un refuge et un apaisement.

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Coralie Barbier

Coralie Barbier dessine sur papiers blancs à l’aide d’aiguilles et de fins feutres. Avec cette technique minutieuse elle provoque des métamorphoses.

Sa pratique oscille entre une lenteur silencieuse et des espaces saturés de présences.

On y voit doucement représentées des plantes imaginaires, des silhouettes d’ancêtres oubliés, des demeures cachées dans les profondeurs de l’âme, des transes dansées à travers l’espace-temps.

Inspirée par les synchronicités, son intérêt pour les mondes invisibles et les états modifiés de conscience, Coralie explore à travers son art la relation entre l’humain et la nature.

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Tissage aux cartes

Abbadiale — Fri, 17 Jan 2025 08:22:33 +0000

Tissage aux cartes

Stage avec Marjorie Dulom

Le tissage aux cartes est une méthode de tissage très ancienne qui remonte aux Vikings et permet de réaliser des galons (des ceintures). Aujourd’hui, ce type de tissage est aussi utilisé pour créer des anses, des bandeaux pour les cheveux, des bijoux (boucles d’oreilles, bracelets etc..)

Durant ce stage, on va se concentrer sur le tissage Osenberg. C’est un tissage norvégien et aussi un motif archéologique, il est souvent utilisé lors d’apprentissage car très simple à reproduire.

Jour 1 :

Matinée : prise de connaissance du motif et des spécificités d’enfilage (en S et en Z).

Etude du bref de tissage (du diagramme) … pas de panique cela prend 15 minutes tout au plus.

Revue du matériel nécessaire.

Découpe des fils de laine

Enfilage…et début du tissage.

Jour 2 :

Sur la journée , on tisse et on fait les finitions.

Possibilité de transformer le galon en bijou ou autre.

Marjorie peux s’enquérir des envies de chacun-e le jour précédent et aider à la transformation .

Tout le matériel est fourni (laine, le fil de jonction avec la navette, les cartes , les montants…), mais les participants devraient apporter une ceinture.

Il est précisé que pour un premier galon, il est préférable de faire avec deux couleurs pour simplifier au maximum.

Dates
6 & 7 mai 2025
Horaires
10h00 – 18h00
Tarif
120 € par personne pour les deux jours
Nombre de participant.e.s
4 maximum
Public
A partir de 10 ans
Informations & inscriptions
Marjorie Dulom

mar.dulom@gmail.com

ou par téléphone au 06.12.78.06.32

Sur place
Les déjeuners sont pris en communs dans les locaux de l’Abbadiale, chaque stagiaire apporte son panier-repas.
Si vous avez besoin d’un hébergement, n’hésitez pas à nous en faire part, nous vous communiquerons les contacts des gîtes et chambres d’hôtes du village.

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Vannerie sauvage

Abbadiale — Fri, 17 Jan 2025 08:06:52 +0000

Vannerie sauvage

Stage avec Vincent Malric

Apprenez à fabriquer vous même vos paniers et autres objets utiles et décoratifs à partir de végétaux sauvages tels que la ronce, la clématite, le noisetier, le jonc…

Au programme :

Jour 1

Choix de l’objet qui sera réalisé pendant le stage
Cueillette des végétaux autour du village
Présentation des différentes techniques de préparation des matériaux cueillis
Assemblage du squelette et début du tressage

Jour 2

Si besoin nouvelle cueillette et préparation des matériaux
Tressage et clôture de l’ouvrage
Rangement de l’atelier

Dates
14 et 15 mai 2025
Horaires
10h00 – 17h00
Tarif
110 € les deux jours
Nombre de participant.e.s
3 à 7
Public
A partir de 10 ans
Informations & inscriptions
Vincent Malric

velolire@aol.fr

ou par téléphone au 07.81.18.43.38

Sur place
Les déjeuners sont pris en communs dans les locaux de l’Abbadiale, chaque stagiaire apporte son panier-repas.
Si vous avez besoin d’un hébergement, n’hésitez pas à nous en faire part, nous vous communiquerons les contacts des gîtes et chambres d’hôtes du village.

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Exposition de Noël – décembre 2024

Abbadiale — Tue, 19 Nov 2024 17:56:46 +0000

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Exposition

EXPOSITION COLLECTIVE

Emmanuelle Williot, Gwenn Scott, Sandra Quintin, Elisabeth Mounic, Jean-Marc Lapene, Landry Gicquiaux, Astrid Poujol, Franck Brouillet, Maryse Michelon, Yves Lachaud, Isabelle Crampe et les 12 exposants permanents.

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7 décembre 2024 > 5 janvier 2025

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Hors période de vacances : ouvert du vendredi au lundi

En période de vacances : ouvert tous les jours

Fermé les 25, 31 décembre 2024, 1er et 2 janvier 2025

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14h30 > 18h

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Pour les fêtes, l’Abbadiale réunit plus de vingt artistes dans une exposition collective qui célèbre la diversité des pratiques : peinture, photographie, gravure, aquarelle et céramique se côtoient dans un dialogue généreux.
Des cosmogénèses d’Emmanuelle Williot aux poses longues de Gwenn Scott, des encres d’Élisabeth Mounic aux céramiques de Roxane Lasserre et Doris Parolo, chaque œuvre offre une fenêtre singulière sur le monde — une invitation à la flânerie artistique, en famille, le temps des fêtes.

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Les artistes

Emmanuelle Williot (peinture)

Cosmogénèse.

Les règles qui régissent l’univers, le mettent en scène, sont les mêmes pour tous, pour toutes choses. L’acte de création trouve son sens dans la recherche d’une réalité qui nous dépasse, que nous ne pouvons qu’effleurer du bout des doigts. Le cheminement artistique d’Emmanuelle Williot consiste à avancer à tâtons dans cette pénombre, à façonner pour interpréter et transcender les limites de nos sensations, de nos perceptions à la recherche des empreintes, des traces attestant la présence du « souffle » de la vie.

Ce n’est pas un hasard si les ramures des arbres ressemblent étrangement au déploiement de nos tissus pulmonaires. Il s’agit du même principe, des mêmes lois qui gouvernent cette organisation secrète de toutes choses et qui sommeillent en nous comme autant de trésors oubliés. Une même logique universelle qui, du micro au macro, de l’infiniment petit à l’infini sans limite, ordonne le chaos de l’univers et met en œuvre nos existences. Nous sommes des univers en soi. Nous sommes les éléments d’un tout. Peindre pour Emmanuelle Williot, c’est cette quête impossible : parvenir à lever le voile, à révéler l’interconnexion intrinsèque de toute forme de vie.

C’est voir en aveugle ; révéler. Ces cosmogénèses.

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Gwenn Scott (photographie)

D’origine bretonne, c’est dans les Pyrénées que Gwenn Scott a réellement découvert l’art de la photographie auquel elle se consacre entièrement depuis quelques années.

De ses origines paysannes, elle a gardé le goût de la terre, de la simplicité, et c’est au « hasard » de quelques prises de vues réalisées avec un appareil prêté, qu’elle a commencé la photo, qui s’est de suite imposée comme une évidence pour elle.

Comme un écho aux images de ses souvenirs, le noir et blanc est très rapidement devenu son terrain de prédilection. Puis, en affinant sa sensibilité et nourrie par les photographes qu’elle admire comme Michael Kenna, Sebastião Salgado, Patrick Ems et bien d’autres, elle travaille maintenant essentiellement avec la technique de la pose longue qui permet d’obtenir des images très épurées.

Terrain de jeu de son enfance devenu lieu de ressource aujourd’hui, la nature est sa source principale d’inspiration. Au-delà de la contemplation, l’art de la photographie est pour elle un chemin vers la quiétude et la paix. C’est comme si parvenir à capter l’essence apaisante d’un paysage pouvait apaiser son propre paysage intérieur et elle espère le vôtre…

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Sandra Quintin (peinture)

Ses peintures sont une histoire de nous, de nos liens avec la Nature, de notre présence.Sandra Quintin a vécu en Guyane pendant plus de 20 ans. Dans une nature omniprésente qu’elle retrouve ici dans les Pyrénées, puissante, dont les liens tissés avec l’humain nous font entrer dans des mondes historiques, écologiques mais aussi mystiques, magiques, poétiques.

Ses compositions figurent alors des femmes à la fois intemporelles et en présence dans des univers entre réel et abstraction, mais qui finalement nous renvoient bien à ce qui nous entoure, en sont un élément, et tendent à la porosité et à l’évanescence.

Trouver le regard surtout ; celui qui fait sortir du cadre, ouvre des espaces, regard vers l’extérieur, ou l’intérieur… Chercher ce regard qui parle, à la fois dans l’ombre et la lumière, ce regard qui éprouve, qui renvoie à des états d’âme, projette, ouvre, crée des connexions, nous livre à nos sensations, notre place et nos liens avec la Terre.

Elle utilise et projette ses expériences pour peindre. Pas de limites dans ces paysages qui n’en sont pas et qui ne sont qu’une dimension possible. Lignes, couleurs et gestes visibles. Pour sentir parfois le souffle du vent, la sueur du vert ou la présence des arbres. Chercher la couleur, le coup de pinceau ou de couteau pour finalement proposer un aspect du non-finito, brouiller les pistes, et renvoyer peut-être à chacun ses propres sensations et réflexions.

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Elisabeth Mounic (peinture)

Le dessin, la peinture dans son enfance ont gravé en Elisabeth Mounic l’empreinte de ce qu’elle est aujourd’hui, ont forgé cette sensibilité qui l’anime et changé son regard sur les choses et le monde qui l’entoure… un rai de lumière, une ride sur l’eau, une goutte de pluie, le souffle du vent…

Frantz Schubert a dit : « La musique part du cœur et va au cœur. Point besoin pour bien l’entendre, d’être un musicien averti. » Il en va de même avec la peinture. Elisabeth Mounic invite à emprunter le chemin d’un dialogue entre le visible et l’invisible, l’espace et le temps. À mi-chemin entre Asie et Occident, figuration et abstraction, sa peinture, onirique et spirituelle, basée sur l’instinct, l’émotion, le lâcher-prise et le hasard est un aller-retour entre deux rives, un dialogue reliant passé et présent…

Elisabeth Mounic exploite la peinture à l’huile et l’encre de Chine dans une quête sans fin, en constante évolution, à la recherche de l’émotion esthétique pour interpréter le monde à sa façon. Si la figuration est représentation, l’abstraction est expression, une expression reposant sur la suggestion et l’évocation d’une vision. Transparences, strates, ombres et lumières entraînent dans son univers où l’inconnu et l’intime s’entremêlent.

Elle a fait sienne cette maxime de Zao Wou Ki : « Peindre ce qui ne se voit pas, le souffle de la vie, le vent, le mouvement, la vie des formes, l’éclosion des couleurs et leur fusion. »

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Jean-Marc Lapene (gravure)

La démarche artistique de Jean-Marc Lapène en tant que graveur est centrée sur la figuration de souvenirs, de scènes ou d’objets technologiques. Il s’y ajoute parfois quelques notes autobiographiques pour compléter cette boucle où se mêlent vintage et nostalgie. Entre humour et poésie, il tisse un lien subtil pour nous embarquer dans son univers et sa vision du contemporain. La technique qu’il emploie pour ses œuvres sur papier est la gravure sur cuivre (eau forte, aquatinte, sucre, acide direct et pointe sèche/roulette).

Formé dans les ateliers des Beaux-Arts de la ville de Paris, Jean-Marc Lapène pratique le dessin, la peinture, la sculpture et aussi la gravure depuis une trentaine d’années. Son travail est souvent mis en avant dans des œuvres narratives parfois décalées d’une certaine réalité et proche du fantastique. Il parle du temps présent en soulignant des moments du passé mais aussi en évoquant des scènes surréalistes notamment avec la série des ours.

Landry Gicquiaux (gravure)

Natif des Hautes-Alpes, la nature de la montagne, et particulièrement les arbres, ont structuré l’imaginaire de Landry Gicquiaux. Dans les Alpes-de-Haute-Provence, où il a vécu durant quelques années, ce sont les senteurs, les couleurs et l’intensité du ciel qui ont affiné sa sensibilité et son ouverture à l’art. Ensuite, c’est dans l’atelier « La Belle Estampe » à Bordeaux qu’il a appris et travaillé la gravure durant plusieurs années.

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Astrid Poujol (aquarelle)

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Franck Brouillet (photographie)

Géographe de formation, sa passion pour la photographie forgée sur la lecture géographique des espaces a finalement pris le dessus. En 2015, il devient auteur photographe indépendant se spécialise en photographie d’architecture où la lumière, les espaces et les matériaux jouent un rôle prépondérant. Il développe en parallèle des travaux photographiques plus personnels où sa sensibilité aux territoires ruraux, espaces naturels ou péri-urbains et à leurs évolutions guident ses approches et ses recherches autour d’une dimension sensible et documentaire.

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Maryse Michelon (Peinture)

Coloriste avant tout, le travail de Maryse Michelon navigue entre figuration symbolique et abstraction.

À travers la mise en scène de reliefs montagneux, émerge lʼéclat si particulier des ciels, qui fait valoir la pierre, le végétal, la glace. Puis les verts anglais, outranciers ou sans fond qui guident nos regards à travers champs et sous-bois.

Lignes figées et fuyantes à la fois, dans une absence d’architecture, la nature devient personnage.

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Yves Lachaud (aquarelle)

Peindre, dessiner, sur toile, papier ou bois, que ce soit pastels, aquarelles, huiles, encre ou fusain, le plaisir d’Yves Lachaud est de faire apparaître, de créer dans un style figuratif ce qui capte son regard, ses émotions : un moment de vie, un lieu, un visage, des mains…

Isabelle Crampe (peinture)

Pour commencer il faut faire silence. Bercer ( berner ) les pensées jusqu’à l’endormissement. Les hypnotiser même car elles sont tenaces, elles veulent dominer, donner leur avis, leurs directives.

Il faudra trouver cet interstice, ce moment suspendu qui permettra d’initier un chemin sur la toile, presque à l’aveugle. Faire confiance à la main, lui laisser le champ libre, en équilibre sur le fil du doute. Avancer sans savoir où cela mènera. Il faut accepter de ne pas savoir, de ne pas comprendre, de s’égarer, de s’exiler même dans un territoire si étrange. Cela ne se comprend pas.

Les critères du monde connu se dissolvent et quelque chose prend forme, dans le tâtonnement , d’autres fois dans le jaillissement. Rien n’est jamais pareil, rien ne se répète. Tout est à recommencer, à chaque fois, pour retrouver ce passage, cet espace ténu mais vivant entre les barricades. Aucun savoir ne peux aider à inventer ces chemins qui nous sauvent de la violence du monde.

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Textures croisées – avril 2024

Abbadiale — Wed, 27 Mar 2024 15:09:01 +0000

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Exposition

TEXTURES CROISÉES

Arnaud Begay, Séverine & Romuald Clemenceau

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6 avril > 12 mai 2024

du vendredi au lundi, 14h30 >18h00

Cette exposition vous invite à explorer la richesse des textures et des matières capturées par l’objectif d’Arnaud Begay, photographe, et révélées par les mains expertes de Séverine et Romuald, tourneurs sur bois de talent.

Arnaud Begay

Photographie

Arnaud Begay nous transporte à travers son regard subtil et artistique, révélant la beauté brute de la nature à travers des images saisissantes de glace, de bois, de minéraux et de neige. Chaque cliché est une invitation à la contemplation, où la lumière révèle les textures ainsi que des détails insoupçonnés et des nuances fascinantes.

Séverine & Romuald Clemenceau

Tournage sur bois

En parallèle, Séverine et Romuald Clemenceau nous dévoilent leur art du tournage sur bois, une technique ancestrale où la matière prend vie entre leurs mains expertes. Le bois devient leur toile, et sous leurs gestes précis, il se métamorphose en pièces uniques, où les formes organiques se marient avec les textures naturelles. Chaque pièce raconte une histoire, celle de la rencontre entre l’artisan et le matériau, entre la tradition et la créativité contemporaine.

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L’exposition « Textures croisées » prône ainsi la rencontre entre deux univers artistiques, où la photographie et le tournage se rejoignent pour explorer la beauté des textures et des matériaux. À travers ces oeuvres, les visiteurs sont invités à voyager au coeur de la matière, à s’émerveiller devant sa diversité et sa complexité, mais aussi à redécouvrir la poésie cachée dans chaque élément qui nous entoure.

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Tournage sur bois avec Romuald Clemenceau

Abbadiale — Sun, 24 Mar 2024 21:18:21 +0000

Tournage sur bois

Stage avec Romuald Clémenceau

Durant ce stage de trois jours, Romuald vous propose une initiation aux bases du tournage sur bois. Les apprentissages se font au travers d’exercices de réalisation de moulures, puis de pièces comme coquetier, œuf, maillet casse-noix, bols, boîtes etc…

Dates
du 24 au 26 mars 2024 (3 jours)
Horaires
9h00 > 17h00
Tarif
340 € les trois jours
Nombre de participant.e.s
3 à 5
Public
Adultes débutants & initiés
Informations & inscriptions
Romuald Clemenceau

Sur place
Les déjeuners sont pris en communs dans les locaux de l’Abbadiale, chaque stagiaire apporte son panier-repas.
Si vous avez besoin d’un hébergement, n’hésitez pas à nous en faire part, nous vous communiquerons les contacts des gîtes et chambres d’hôtes du village.

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Patrick Pierart & Bruno Renard – Jeux de matières, matière à rêver – avril 2023

Abbadiale — Sat, 08 Apr 2023 20:27:05 +0000

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Exposition

Jeux de matières, matière à rêver

Patrick Pierart, Bruno Renard

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8 avril > 7 mai 2023

tous les jours sauf le mardi, 14h30 >18h00

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L’exposition Jeux de matières à Maison des Arts d’Arras-en-Lavedan réunit les démarches sensibles de Patrick Pierart et Bruno Renard dans un dialogue attentif entre peinture et sculpture, surface et volume. À travers leurs pratiques respectives, les artistes explorent la matière comme territoire d’expérience : elle devient vibration, mémoire, seuil d’apparition des formes autant que support d’un imaginaire en transformation.

Les peintures de Patrick Pierart déploient des champs sensibles où la couleur s’inscrit dans une relation physique au geste et au temps. En écho, les sculptures de Bruno Renard interrogent la densité du bois, du métal ou du verre, révélant tensions, équilibres et passages entre opacité et transparence. Ensemble, leurs œuvres composent un espace de résonances où la matière cesse d’être simple matériau pour devenir langage.

Pensée comme un parcours perceptif, l’exposition invite à ralentir le regard et à éprouver la richesse tactile et symbolique des formes. Entre abstraction et présence concrète des éléments, Jeux de matières propose une expérience attentive du visible, où chaque œuvre ouvre un champ d’exploration sensible et poétique du monde.

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